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(les grandes lignes du cours)
le maniérisme apparaît début XVIème et meurt fin XVIème, à cause de limites artistiques fixées par l'Eglise. Le terme est inventé au XVIIIème siècle, caractérisé comme un mouvement presque en réaction à la perfection de la Renaissance. Il faut se singulaiser et en faire trop (un peu comme plus tard, pour le baroque). On rompt avec la perspective et l'harmonie des couleurs (acidulées et tranchées voire criardes), on aime le mauvais goût.
C'est le premier mouvement d'art moderne (càd d'après Moyen Age), qui a conscience de lui même. Son référent n'est pas la nature (Renaissance), ni Dieu (Moyen Age), mais l'art en lui-même : métamorphoses d'oeuvres existantes, déformations.
L'Histoire de l'art existe depuis 1550 avec VASARI, La Vie des Peintres Illustres
Il ya l'extrême importance du style : comment est-ce représenté ? Le sujet est comme un prétexte pour exercer son style. (exemple : Les Nymphéas de Monet lui permettaient de s'exprimer pleinement, c'est pourquoi il en a fait un très grand nombre. Parfois mélange terre/ciel/eau, on arrive à l'art non-figuratif)
Nous sommes dans le débordement, dans l'excès. L'artiste acquiert un statut avec l'arrivée de l'autoportrait (Le Parmesan)
Il faut provoquer la stupeur chez le spectateur, rien ne doit être banal, nous devons être dans l'excessif.
Refus de la distinction entre l'homme et la nature, il y a une remise en question : ce qu'on appelle nature est incertain. Il n'y a pas de distinction des sexes, donc parfois nous nous trouvons face à des représentations d'homosexualité. Comme si toute séparation était artificielle, ce qu'ils ne veulent pas, pourtant leur art l'est.
Le maniérisme, comme le romantisme, apparaît dans un monde déjà vieux. En 1527, Rome est massacrée, ce qui monte que, même si une chose est parfaite, elle n'en est pas moins soumise à la violence. La fragilité de toute chose est le contexte de développement du maniérisme. Parfois, dans leur peinture, nous retrouvons presque de la sculpture, dans les tensions et mouvements des corps, comme si la peinture se montrait en tant qu'autre chose que ce pour quoi elle était faite. Léda et le Cygne de Michel Ange : un dieu qui se transforme, l'entremêlement des corps cf. métamorphoses d'Ovide : la réalité n'est jamais celle que l'on croit, il faut révéler les transformations car les apparences ne sont jamais innocentes, jamais ce que l'on croit. Michel Ange comme maniériste avant l'heure.
Galerie François Ier, Chateau de Fontainebleau: mélange d'architecture, sculpture, peinture.
Jardin de Bormarzo : maison penchée symbole de fidélité, jeu de transformation de la nature.
Sirène "grand écart", sirène qui n'est plus une sirène.
Arcimboldo : jouer avec nourriture ou végétaux pour faire des portraits et leurs personnalités cf. peintres+sculpteurs maniéristes aimaient le corail, car dans l'eau celui-ci était végétal, tandis que sorti, devient minéral : transformation.
Parmesan, La Madone au Long Cou "la Vierge échappe à toute mesure" cf. Annonciation, jeu avec les codes, on échappe du traditionnel, comme si représenter la Vierge normalement était un sacrilège. L'arrière du tableau montre la rupture entre la gauche et la droite. La colonne représente l'incarnation de Jésus mais permet aussi de situer la distance. Profondeur.
Le Parmesan, Cupidon Taillant son Arc : scène inhabituelle, thème banal transformé, son corps est gros alors ses ailes lui donnent moins de grâce. Nous sommes comme invités dans le tableau.
Le Gréco, La Visitation : comme pour montrer que la peinture n'a pas besoin de prétexte pour s'exercer. Visitation réinterprétée.
Ce qui est intéressant, ce n'est pas ce qui est représenter mais comment.
Affranchissement ludique des règles, entre la Renaissance et le baroque, le maniérisme est comme le "chaînon manquant". Il se développe dans un climat d'incertitude après l'époque des grandes découvertes faites par l'homme. Oeuvres qui surprennent, enchantent, affolent, inquiètent. Le récepteur est incertain mais il faut déclencher une émotion.
le maniérisme apparaît début XVIème et meurt fin XVIème, à cause de limites artistiques fixées par l'Eglise. Le terme est inventé au XVIIIème siècle, caractérisé comme un mouvement presque en réaction à la perfection de la Renaissance. Il faut se singulaiser et en faire trop (un peu comme plus tard, pour le baroque). On rompt avec la perspective et l'harmonie des couleurs (acidulées et tranchées voire criardes), on aime le mauvais goût.
C'est le premier mouvement d'art moderne (càd d'après Moyen Age), qui a conscience de lui même. Son référent n'est pas la nature (Renaissance), ni Dieu (Moyen Age), mais l'art en lui-même : métamorphoses d'oeuvres existantes, déformations.
L'Histoire de l'art existe depuis 1550 avec VASARI, La Vie des Peintres Illustres
Il ya l'extrême importance du style : comment est-ce représenté ? Le sujet est comme un prétexte pour exercer son style. (exemple : Les Nymphéas de Monet lui permettaient de s'exprimer pleinement, c'est pourquoi il en a fait un très grand nombre. Parfois mélange terre/ciel/eau, on arrive à l'art non-figuratif)
Nous sommes dans le débordement, dans l'excès. L'artiste acquiert un statut avec l'arrivée de l'autoportrait (Le Parmesan)
Il faut provoquer la stupeur chez le spectateur, rien ne doit être banal, nous devons être dans l'excessif.
Refus de la distinction entre l'homme et la nature, il y a une remise en question : ce qu'on appelle nature est incertain. Il n'y a pas de distinction des sexes, donc parfois nous nous trouvons face à des représentations d'homosexualité. Comme si toute séparation était artificielle, ce qu'ils ne veulent pas, pourtant leur art l'est.
Le maniérisme, comme le romantisme, apparaît dans un monde déjà vieux. En 1527, Rome est massacrée, ce qui monte que, même si une chose est parfaite, elle n'en est pas moins soumise à la violence. La fragilité de toute chose est le contexte de développement du maniérisme. Parfois, dans leur peinture, nous retrouvons presque de la sculpture, dans les tensions et mouvements des corps, comme si la peinture se montrait en tant qu'autre chose que ce pour quoi elle était faite. Léda et le Cygne de Michel Ange : un dieu qui se transforme, l'entremêlement des corps cf. métamorphoses d'Ovide : la réalité n'est jamais celle que l'on croit, il faut révéler les transformations car les apparences ne sont jamais innocentes, jamais ce que l'on croit. Michel Ange comme maniériste avant l'heure.
Galerie François Ier, Chateau de Fontainebleau: mélange d'architecture, sculpture, peinture.
Jardin de Bormarzo : maison penchée symbole de fidélité, jeu de transformation de la nature.
Sirène "grand écart", sirène qui n'est plus une sirène.
Arcimboldo : jouer avec nourriture ou végétaux pour faire des portraits et leurs personnalités cf. peintres+sculpteurs maniéristes aimaient le corail, car dans l'eau celui-ci était végétal, tandis que sorti, devient minéral : transformation.
Parmesan, La Madone au Long Cou "la Vierge échappe à toute mesure" cf. Annonciation, jeu avec les codes, on échappe du traditionnel, comme si représenter la Vierge normalement était un sacrilège. L'arrière du tableau montre la rupture entre la gauche et la droite. La colonne représente l'incarnation de Jésus mais permet aussi de situer la distance. Profondeur.
Le Parmesan, Cupidon Taillant son Arc : scène inhabituelle, thème banal transformé, son corps est gros alors ses ailes lui donnent moins de grâce. Nous sommes comme invités dans le tableau.
Le Gréco, La Visitation : comme pour montrer que la peinture n'a pas besoin de prétexte pour s'exercer. Visitation réinterprétée.
Ce qui est intéressant, ce n'est pas ce qui est représenter mais comment.
Affranchissement ludique des règles, entre la Renaissance et le baroque, le maniérisme est comme le "chaînon manquant". Il se développe dans un climat d'incertitude après l'époque des grandes découvertes faites par l'homme. Oeuvres qui surprennent, enchantent, affolent, inquiètent. Le récepteur est incertain mais il faut déclencher une émotion.